Pocas veces un director ha propuesto tantas maneras de mostrar la pintura en el cine: citas, «tableaux vivants», artista frente a su obra, desfile de lienzos en un pasillo de la memoria, pesadillas. Todo ello con el fin de sumergirnos en parte solamente en la mente poderosa de Goya. En este texto trato de comprender los pasos seguidos por Carlos Saura para hilvanar un relato poco conforme con las estructuras habituales para dar rienda suelta a su creatividad y de establecer filiaciones y diferencias con otras muestras de «cine y pintura».
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Chronique d’un desamor
folder_openCine Hispánico
Mi primer artículo publicado en Positif (abril de 2003). Me habían solicitado un texto largo que permitiera comprender el contexto histórico, estético y social en el que se desarrollaba la cinematografía española. Traté de resaltar constantes, no de limitarme a las películas entonces más recientes, de hacer hincapié en lo que se percibe menos “desde fuera” o cuando un periodista o crítico apenas permanece unos días en España para escribir un artículo.
Le Bel instant, l’art de la marche au cinéma
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Sea cual sea el lugar, la época o el género, caminar suele asociarse en el cine con una forma de pensar que acoge arabescos y vericuetos, con cierta disponibilidad emocional, con un despertar que nos cambia. Sin negar la singularidad de cada director, se pueden destacar figuras recurrentes según que la película sea una road movie, un espectáculo épico o un drama íntimo.
La Ronce et l’espoir
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El exilio republicano español acontecido durante la Guerra civil y, sobre todo, a partir de enero de 1939 ha generado pocas imágenes cinematográficas – fotográficas, muchas – y además poco difundidas, con alguna excepción. La filmaron en su mayoría directores movidos por una necesidad moral de aportar un testimonio.
Crónica de una muerte anunciada
folder_openCine Europeo
Desde los años cincuenta, desde la gestación de lo que llamarían después la “Nouvelle Vague” y desde la supuesta aparición de la crítica de cine – afirmación falsa reiterada hasta la saciedad, ya que nació en los años veinte – no dejaron de vaticinar la muerte de lo que se ha dado en llamar por algunos clasicismo y, por otros, cine convencional. Trato de mostrar que hubo mucha más continuidad que ruptura en la práctica del cine.
La trama escrita, La mirada del guionista (introducción)
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Aprender a mirar agudiza el sentido dramático de quien quiere escribir guiones. Y quien acepte que no sólo existe una manera de escribir para el cine, a pesar de la imperante estructura en tres actos propuesta en escuelas y talleres, descubre la posibilidad de ser quizá un poco más libre y sin duda más curioso. El libro del que presento aquí la introducción fue acompañado por un ciclo de 24 proyecciones en el museo de arte moderno de Bogotá. La publicación del libro fue posible gracias al apoyo de Gabriel Alba, entonces profesor de la universidad javeriana, la programación mediante el apoyo de Enrique Pulecio, entonces coordinador de las actividades del MAM.
L’ivresse du désenchantement
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Escribía Baudelaire: « Hay que estar ebrio siempre. Todo reside en eso: ésta es la única cuestión. Para no sentir el horrible peso del Tiempo que nos rompe las espaldas y nos hace inclinar hacia la tierra, hay que embriagarse sin descanso.” Sí, pero la resaca causada por la contracultura, el despertar post hippie, las decepciones ideológicas, las derivas políticas, las heridas del amor, generaron en el cine americano de los años setenta un desencanto agudo tan embriagador como el spleen baudeleriano.
Sur les traces d’Icare
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Detrás y debajo de las imágenes, cualquier cineasta digno de este nombre, alimenta sus películas con temas que le fascinan, y a veces a su pesar y de manera involuntaria, y afloran hasta dar forma a un motivo recurrente. Después de ver la casi totalidad de la filmografía de Antonioni con el paso del tiempo me di cuenta de que el mito Ícaro le obsesionaba.
Deux visions, Deux infinis
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¿Acaso existe una visión « normal » en un director de cine? ¿Dirigir no supone cierta “deformación” en el enfoque? Aquí distingo dos grandes familias: los “miopes” y los présbitas”. Por un lado, Angelopoulos, Malick, Tarkovski, Antonioni, Jancsó, Herzog, Jia Zhanke, Bela Tarr, Kiarostami. Por otro, Bergman, Godard, Pialat, Mike Leigh, Cassavetes, Cronenberg, Varda, Audiard.